Archivo para musicos

Trio Los Panchos

Posted in poemas with tags , , , , , on septiembre 15, 2008 by edmolin657
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Trío Los Panchos
MIGUEL BOLAÑOS GARAY

  Foto
 

¿Quién no recuerda al Trío Los Panchos? Sus canciones llenaron toda una época plena de romanticismo, de bellas canciones o boleros.Nicaragua, al igual que Latinoamérica entera, le rindió su debido culto que perdura hasta nuestros días. No hay serenata en que no se les recuerde. A fin de cuentas, ¿quién que es romántico no lleva dentro de su alma un gran bolero?

El Trío Los Panchos es mucho más que la suma de tres voces, o la mejor agrupación de voces y guitarras de todos los tiempos. Ellos han sido de los mejores embajadores de nuestras raíces culturales en el mundo. Su historia es la punta de lanza que abrió los mercados internacionales para los latinos; forjaron un sendero por el cual hoy transitan muchos artistas de habla hispana.

Los Panchos son una agrupación que ha conmovido al mundo entero, en una época que no se contaba con los medios de comunicación de hoy día. Sólo el talento y sentimiento que brotaba de sus corazones logró imponerse en países con culturas tan diferentes como la china, rusa y la japonesa, entre otras. ETERNOS TROVADORES

Su estilo personal está tan ligado a la memoria histórica del mundo, que se les recuerda con frases como “La Trilogía Perfecta de América”, “Embajadores de la Canción Romántica en el Mundo”, “Eternos Trovadores”, “Ciudadanos del Mundo”, etc.

Ellos son parte de la historia contemporánea y nuestra obligación es conocerla, porque también es la nuestra, no importa qué nacionalidad tengamos. Ellos nos han demostrado su cariño y respeto por todas nuestras raíces, las tomaron como propias, cantaron desde un tango rioplatense hasta una cumbia colombiana.

El Trío Los Panchos ha grabado para todos los habitantes del mundo y en especial para los de habla española y es casi un deber protegerlos como lo que son: un patrimonio cultural latinoamericano.

La historia de Los Panchos se divide en diez épocas diferentes, cada una de ellas lleva el sello característico e irrepetible de sus primeras voces, con un estilo personal que les permitió penetrar en diferentes mercados del mundo, pero todas sin excepción, fueron coronadas con éxitos y mantienen la agrupación vigente en el gusto del publico. INTEGRANTES

Esta sería una lista cronológica en la que se muestran las fechas y la primera voz del trío, que eran las que variaban. Tanto Chucho Navarro como Alfredo Gil se mantenían imperturbables en la segunda voz y el requinto respectivamente (y de quien se dice fue el primero en usar una guitarra requinto del tamaño que hoy se usa comúnmente por los tríos en todas partes).

He aquí entonces la lista y en orden: fecha, primera voz, segunda voz y requinto.

1944 a 1951: Hernando Avilés, Chucho Navarro, Alfredo Gil. 1951 a 1952: Raúl Shaw Moreno, Chucho Navarro, Alfredo Gil. 1952 a 1956: Julio Rodríguez Reyes, Chucho Navarro, Alfredo Gil. 1956 a 1958: Hernando Avilés, Chucho Navarro, Alfredo Gil. 1958 a 1968: Johnny Albino, Chucho Navarro, Alfredo Gil.

1968 a 1972: Enrique Cáceres, Chucho Navarro, Alfredo Gil. 1972 a 1976: Ovidio Hernández, Chucho Navarro, Alfredo Gil. 1976 a 1981: Rafael Basurto Lara, Chucho Navarro, Alfredo Gil. 1981 a 1993: Rafael Basurto Lara, Chucho Navarro.

En 1981, con el retiro de Alfredo Gil se cerró el ciclo del Trío Los Panchos. El anuncio se hizo a través de una gira por América, que se llamó “Hasta Siempre”. LA ULTIMA VOZ DEL TRIO

En Venezuela realizaron un especial de televisión en donde Alfredo Gil y Chucho Navarro anunciaron su retiro y la continuación de Rafael Basurto Lara como la voz encargada de la continuación, recordando siempre al Trío Los Panchos.

Pero al poco tiempo, Chucho Navarro y Rafael Basurto Lara decidieron continuar, como “LOS PANCHOS”.

Esta pequeña sutileza era el respeto por el alejamiento de Alfredo Gil, compañero y maestro creador del requinto, porque por muy bueno que fuera el músico que designaran, jamás ocuparía el lugar del creador.

Varios fueron los requintos que acompañaron a “Los Panchos”, entre ellos se puede citar a los mexicanos Willy Fonseca, Lalo Ayala, José Luis Sánchez Camacho y Gabriel Vargas.

La desaparición física de Chucho Navarro dejó solo a la última primera voz del Trío Los Panchos, Rafael Basurto Lara, quien se mantiene activo, aunque como él dice: “Ya no como Los Panchos, yo continúo mi carrera artística como lo que soy: La Última Voz de Los Panchos”

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Trío Los Panchos
MIGUEL BOLAÑOS GARAY

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¿Quién no recuerda al Trío Los Panchos? Sus canciones llenaron toda una época plena de romanticismo, de bellas canciones o boleros.Nicaragua, al igual que Latinoamérica entera, le rindió su debido culto que perdura hasta nuestros días. No hay serenata en que no se les recuerde. A fin de cuentas, ¿quién que es romántico no lleva dentro de su alma un gran bolero?

El Trío Los Panchos es mucho más que la suma de tres voces, o la mejor agrupación de voces y guitarras de todos los tiempos. Ellos han sido de los mejores embajadores de nuestras raíces culturales en el mundo. Su historia es la punta de lanza que abrió los mercados internacionales para los latinos; forjaron un sendero por el cual hoy transitan muchos artistas de habla hispana.

Los Panchos son una agrupación que ha conmovido al mundo entero, en una época que no se contaba con los medios de comunicación de hoy día. Sólo el talento y sentimiento que brotaba de sus corazones logró imponerse en países con culturas tan diferentes como la china, rusa y la japonesa, entre otras. ETERNOS TROVADORES

Su estilo personal está tan ligado a la memoria histórica del mundo, que se les recuerda con frases como “La Trilogía Perfecta de América”, “Embajadores de la Canción Romántica en el Mundo”, “Eternos Trovadores”, “Ciudadanos del Mundo”, etc.

Ellos son parte de la historia contemporánea y nuestra obligación es conocerla, porque también es la nuestra, no importa qué nacionalidad tengamos. Ellos nos han demostrado su cariño y respeto por todas nuestras raíces, las tomaron como propias, cantaron desde un tango rioplatense hasta una cumbia colombiana.

El Trío Los Panchos ha grabado para todos los habitantes del mundo y en especial para los de habla española y es casi un deber protegerlos como lo que son: un patrimonio cultural latinoamericano.

La historia de Los Panchos se divide en diez épocas diferentes, cada una de ellas lleva el sello característico e irrepetible de sus primeras voces, con un estilo personal que les permitió penetrar en diferentes mercados del mundo, pero todas sin excepción, fueron coronadas con éxitos y mantienen la agrupación vigente en el gusto del publico. INTEGRANTES

Esta sería una lista cronológica en la que se muestran las fechas y la primera voz del trío, que eran las que variaban. Tanto Chucho Navarro como Alfredo Gil se mantenían imperturbables en la segunda voz y el requinto respectivamente (y de quien se dice fue el primero en usar una guitarra requinto del tamaño que hoy se usa comúnmente por los tríos en todas partes).

He aquí entonces la lista y en orden: fecha, primera voz, segunda voz y requinto.

1944 a 1951: Hernando Avilés, Chucho Navarro, Alfredo Gil. 1951 a 1952: Raúl Shaw Moreno, Chucho Navarro, Alfredo Gil. 1952 a 1956: Julio Rodríguez Reyes, Chucho Navarro, Alfredo Gil. 1956 a 1958: Hernando Avilés, Chucho Navarro, Alfredo Gil. 1958 a 1968: Johnny Albino, Chucho Navarro, Alfredo Gil.

1968 a 1972: Enrique Cáceres, Chucho Navarro, Alfredo Gil. 1972 a 1976: Ovidio Hernández, Chucho Navarro, Alfredo Gil. 1976 a 1981: Rafael Basurto Lara, Chucho Navarro, Alfredo Gil. 1981 a 1993: Rafael Basurto Lara, Chucho Navarro.

En 1981, con el retiro de Alfredo Gil se cerró el ciclo del Trío Los Panchos. El anuncio se hizo a través de una gira por América, que se llamó “Hasta Siempre”. LA ULTIMA VOZ DEL TRIO

En Venezuela realizaron un especial de televisión en donde Alfredo Gil y Chucho Navarro anunciaron su retiro y la continuación de Rafael Basurto Lara como la voz encargada de la continuación, recordando siempre al Trío Los Panchos.

Pero al poco tiempo, Chucho Navarro y Rafael Basurto Lara decidieron continuar, como “LOS PANCHOS”.

Esta pequeña sutileza era el respeto por el alejamiento de Alfredo Gil, compañero y maestro creador del requinto, porque por muy bueno que fuera el músico que designaran, jamás ocuparía el lugar del creador.

Varios fueron los requintos que acompañaron a “Los Panchos”, entre ellos se puede citar a los mexicanos Willy Fonseca, Lalo Ayala, José Luis Sánchez Camacho y Gabriel Vargas.

La desaparición física de Chucho Navarro dejó solo a la última primera voz del Trío Los Panchos, Rafael Basurto Lara, quien se mantiene activo, aunque como él dice: “Ya no como Los Panchos, yo continúo mi carrera artística como lo que soy: La Última Voz de Los Panchos”

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Duke Ellington

Posted in celebridades, Grandes del Jazz with tags , , , , on septiembre 13, 2008 by edmolin657

Compositor, director de orquesta y pianista estadounidense. Fue una de las figuras más destacadas en la historia del jazz, música que introdujo en las salas de concierto y en ceremonias religiosas. Nació Edward Kennedy Ellington en Washington D.C. A los diecisiete años inició su carrera como pianista profesional. En 1923 se trasladó a Nueva York y formó una banda de diez miembros. Durante las décadas de 1930 y 1940, Ellington y su banda, que amplió el número de sus componentes, actuaron en teatros y clubes, en la radio y en el extranjero. En 1943 dirigió el primero de los nueve legendarios conciertos que ofreció anualmente en el Carnegie Hall de Nueva York. Sus obras más características están compuestas en una forma modificada de concierto, construidas en torno a los solos de los miembros de su banda; también introdujeron con frecuencia pasajes cantados sin palabras. Su estilo es ecléctico, combina el blues, varias formas del jazz y el sonido big-band de la música swing. Ha acompañado a Mahalia Jackson, Ella Fitzgerald y Billie Holiday. Entre sus canciones más famosas sobresalen ‘Moon Indigo’ (1931), ‘Sophisticated lady’ (1933) y ‘Solicitude’ (1934). Sus obras a gran escala incluyen Black, Brown and Beige (1943), Liberian Suite (1948), A Concert of Sacred Music (1965) y Far East Suite (1967). Compuso las bandas sonoras de las películas Anatomía de un asesinato (1959, de Otto Preminger) y Un día volveré (1961, de Martin Ritt), y de las comedias musicales Beggar’s Opera (1947) y Pousse-Café (1966). A partir de 1941, el tema principal del grupo fue “Take the ‘A’ train”, compuesta por su socio, el autor de letras y arreglista Billy Strayhorn. La autobiografía de Ellington publicada un año antes de su muerte, se titula Music is my mistress.

Tomás Abilio Bermúdez

Posted in músicos ecuatorianos, notas periodísticas with tags , , , on septiembre 6, 2008 by edmolin657

Bermúdez Quijije Tomás Abilio

Charapotó Cantón Sucre (Manabí) 20 marzo 1931-. Guitarrista, compositor y cantante.

Aprendió a tocar la guitarra con don Manuel García, su tío Benito Quijije, el compositor Nicasio Safadi* y Custodio Sánchez. Muy joven conformó el Conjunto Bahía, luego el trío Los Soberanos. Como requintista, ha acompañado a los más destacados artistas populares del Ecuador.

Su primer disco lo grabó a los 19 años. Además de la guitarra, toca el bajo eléctrico, el bandolín y el violín. Sus obras más conocidas son, los pasillos: Una lágrima y un adiós, Hasta cuándo corazón; el sanjuanito La Chicha de la santa; los boleros Morena linda, Olvídame y Un bolero para ti. También compuso los pasillos: Por tu amor que se fue, Olvidemos el pasado, Sin corazón, La ausencia de tu amor, Mi regreso, No tardes, Vuelve a mí, Realidad, Ante tus plantas; y el sanjuanito: Viva la comadre. (Bibliografía: Abilio Bermúdez: 12 canciones, letras y partituras. Guayaquil: SADRAM, 1981).

Guitarristas Populares

Posted in músicos ecuatorianos, notas periodísticas with tags , , , , , , , on septiembre 6, 2008 by edmolin657
 

Noviembre 14, 2005

Germàn Arteta | Redactor

En la historia de  nuestra ciudad,   tenemos muchos   de estos artistas  que dieron fama al arte nacional.

Al igual que en cualquier  nación del mundo, no siempre ocurre que los cantantes solistas o integrantes de dúos y hasta tríos sepan tocar guitarra para acompañarse en sus actuaciones y ganar el aplauso del público al interpretar los variados ritmos ecuatorianos y extranjeros.

Casos excepcionales como los de Segundo Bautista, Carlos Aurelio Rubira Infante, Hermanos Montecel, Enrique Ibáñez Mora y otros donde se unen el cantante y el instrumentista, podrían hacer creer lo contrario. Pero, en un buen número de situaciones, hay excelentes intérpretes que carecen  de ese ‘don’  y necesitan obligatoriamente del acompañamiento de guitarristas (requinto y segunda) para consagrarse en sus presentaciones de radio, teatro, televisión y escenarios diversos.

Esta nota volandera intenta pues, recordar nombres de  guitarristas que aportaron al surgimiento y difusión de la música popular en nuestro medio, aún más si  en repetidas ocasiones se ignora su trabajo aunque conozcamos que gracias a su respaldo triunfan las voces internacionales que llegan por aquí o los compatriotas que salen a cosechar palmas en naciones hermanas.

Valiosos referentes
Tratemos de recordar entonces aquellas décadas antes y después de los años treinta del siglo XX, cuando a partir del viaje del dúo Ibáñez-Safadi se incrementaron las grabaciones y espectáculos, en los que era común observar y escuchar a tantos músicos que dominaban las cuerdas del singular instrumento.

Desde  la segunda mitad de esa misma centuria en las emisoras CRE, Atalaya, El Mundo, Cenit, Cristal, Pacífico, Cóndor, La Voz del Litoral, América, etcétera, era frecuente escuchar a intérpretes locales y de otras naciones con el respaldo de Armando Pantza Aráuz, el Pibe; Pepe Dresner, Wacho  Murillo, Sergio Bedoya, Abilio Bermúdez y Wacho Figueroa.

La lista del recuerdo se amplía con los nombres de requintistas o guitarristas como  Rosalino Quintero, Bolívar y Paco Lara, Carlos Montalvo, Víctor Galarza, Homero Hidrobo, Naldo Campos, Guillermo Rodríguez, Gonzalo Sánchez,  Juan Naranjo, Pedro Chinga, Jacobo Mármol, Armando Alarcón y Vicente Plaza.

Asimismo, Augusto Peña, Francisco Espinar, Juan Ruiz, Santiago Chamaidán, Pedro Vera, Paco Lamboglia, Pancho Rivera, José Peralta hasta llegar a los  contemporáneos que dan su aporte para el mantenimiento del ejercicio musical.

En algunas  provincias del país alcanzaron reconocimiento compositores que armonizaron su vocación con el canto y la guitarra, casos de Armengol Barba, Marco Tulio Hidrobo, Carlos Bonilla, Miguel Espinosa, Carlos Guerra, Filemón Macías Joza, Luis Alfonso Nieto, Terry Pazmiño, Francisco Torres, Marcelo Uzcátegui, Manuel Vásquez, Bolívar Ortiz, Benigno Medina, Segundo Cortez, René Zambrano, entre otros.

Tampoco debemos excluir a guitarristas conocidos por su estilo personal como Carlos Bonilla, Bolívar Ortiz, Roberto Viera, Eddy Erazo y otros  preocupados en jerarquizar la guitarra sin olvidar jamás los temas populares. Igualmente hubo y  hay los que optaron por la   clásica para interpretar música académica, así  lo testimonia César León.

 

Antonio Neumane

Posted in poemas with tags on agosto 14, 2008 by edmolin657

ANTONIO NEUMANE MARNO
MUSICO.- Nació en la Isla de Córcega el 13 de Julio de 1818. Hijo de Serafín Neumane y de Margarita Marno, alemanes. Destinado a la carrera de medicina la abandonó y entró a la música viajando a Viena a estudiar, no sin antes discutir con su padre quien le gritó “Lárgate y hazte músico”. A los 16 años, en 1834, trabajó en Milán como profesor de una Academia. En 1837 nuevamente residió en Viena, contrajo matrimonio y obtuvo una condecoración de manos del emperador Fernando de Austria. Meses después enviudó, se instaló a trabajar en Turín, allí casó con Idálide Turri y nació su hija Nina. 

Entonces ingresó a la Compañía de Opera “Malibrán” como arreglista musical y viajó a Sudamérica con su familia. Estrenaron en Buenos Aires con éxito rotundo, siguió a Santiago y se instaló como director de Bandas de Música. En una función de beneficencia dirigió a seis bandas de ejército al mismo tiempo y todas tocaron a la perfección. El gobierno chileno lo premió con el nombramiento de director del Conservatorio Nacional de Música. En 1841 vino a Guayaquil y como no había teatro actuó en una casa particular de la esquina de Pichincha e Illingworth. (1) Las damas de la ciudad le pidieron que se quedara y les enseñara música. En Octubre del 42 comenzó la epidemia de fiebre amarilla y murieron tres miembros de su compañía, entre ellos el temor y la compañía se disolvió. Había tantos mosquitos que las autoridades emplazaron unos cañones en San Francisco y otros en Ciudavieja y disparaban con pólvora para matar a los insectos. 

(1) La señora Turri cantó en Guayaquil como Irene en la ópera Belisario y como Adalgisa en Norma, “con voz firme, llena, dulce a la vez y al mismo tiempo fuerte y sonora y de su acreditado gusto, poseía las mas bellas aptitudes para aspirar al triunfo que acuerdan el estudio y el ejercicio del arte”, según opinión de un crítico artístico de “El Correo”.
Cuando llegó a Guayaquil en 1841 y dio nueve funciones, su compañía de Operas estaba formada de la siguiente manera: Zambiatti era tenor, Ferretti bajo, Gastaldi bufo, Amina y Teresa Rossi tiples, Idálide Turri de Neumane contralto, Irene Turri, hermana de la anterior, soprano, Grandi barítono, Rizzoli tenor de coros y Neumane dirigía la orquesta. Pasada la epidemia de fiebre amarilla, en 1843 fue contratado como profesor de música del Batallón No. 1 de esta plaza. A principios de 1845 puso música a una Canción Patriótica de Olmedo. En 1851 regresó a Lima donde estableció a su familia y viajó él sólo a Europa. El 53 regresó como empresario de una gran compañía de Operas y trabajó en Santiago de Chile donde dirigió a varias bandas a la vez, logrando un gran éxito. En 1856 ya estaba en Guayaquil cuando se inauguró el teatro Olmedo con una obra musical dramática titulada “La Hija de las flores” de Gertrudis Gómez de Avellaneda . Neumane dirigió la orquesta. 

Entonces vivía en la esquina de Bolívar y Malecón y cuando componía acostumbraba comer mucho pan, dejando caer las migas sobre las teclas del piano. Varios cajones con partituras musicales propias se quemaron en 1902 en el Incendio del Carmen. 

Entre 1857 y el 61 vivió en el Perú y en Chile pero volvió al Ecuador, país que consideraba como su patria adoptiva. Aquí se quedó como director de bandas del ejército y profesor particular de canto y piano y le nacieron sus hijos Ricardo y Rosa. 

En 1865 y estando de Presidente Jerónimo Carrión, el músico argentino Juan José Allende, Director de las Bandas de los batallones acantonados en Quito, se dirigió al Congreso Nacional enviando una composición suya con letra de un “ilustre poeta ecuatoriano” cuyo nombre jamás se ha conocido, para que tan alto organismo lo declare Himno oficial de la Nación. Los Congresistas lo escucharon y no les agradó, ni la letra que fue calificada de ruin, ni la música que consideraron deficiente y decidieron desecharlo.
Entonces el Dr. Nicolás Espinosa Rivadeneira. Presidente del Senado, requirió a Juan León Mera para que escribiera la letra de una Canción Nacional. Mera tenía sólo 33 años pero supo cumplir fielmente el encargo, leyó la letra de la Canción Patria de Olmedo y con base a ella se inspiró y escribió unos versos bastante parecidos, que los entregó a las pocas horas. 

Y pasaron cuatro años y llegó 1869. El presidente García Moreno se acordó del asunto y remitió los versos de Mera a Guayaquil para que el Comandante del Distrito, Gen. Secundino Darquea los entregue al profesor Antonio Neumane Marno, quien habitaba la tercera casa con vista al río de las Peñas, con la consigna de componer la música. Se dice que Neumane se excusó al principio aduciendo motivos de delicadeza personal fundados en su calidad de extranjero, pero Darquea insistió cariñosamente y hasta le puso centinela en la puerta de calle. El maestro meditó un rato, luego pidió pliegos de papel pautado a su hija Rosa, un vaso de agua y tres panecillos, signo indiscutible que iba a trabajar y compuso casi de un tirón. Fue en octubre y para mayores detalles era noche de luna y estaba frente a su ventana que daba al río. Queda de recuerdo la placa de bronce que aún se conserva en el sitió donde estuvo la casa del ilustre músico en las Peñas.

El Himno se estrenó en Quito la noche del 10 de Agosto, tocado y cantado por los miembros de la Compañía de Opera de Pablo Ferreti de paso por la capital y que con estas notas comenzó su programa de arte.

García Moreno lo llamó a Quito a dirigir el Conservatorio Nacional de Música.(2) En dicho empleo lo sorprendió la Muerte el 3 de marzo de 1871, de sólo 53 años de edad. a consecuencia de un infarto. Su hijo Ricardo trajo los restos a Guayaquil y fueron sepultados en el templo de San Francisco que desapareció en 1896 para el incendio grande. 

(2) Neumane era enemigo ideológico de García Moreno pero conservaban buenas relaciones al extremo que en 1869 le pidió la Libertad de un pariente del esposo de su hija Rosa
Era muy mujeriego y por eso dejó dos hijos fuera de matrimonio; sin embargo, en todo lo demás, cumplidísimo caballero: alto, delgado, blanco, ojos hundidos, ojeras pronunciadas, pelo negro y usaba bastón. Apreciadísimo entre sus amigos, chistoso y hasta ocurrido; hablaba con acento italiano. En su juventud había sido aventurero, masón y hasta libre pensador, luego fue hombre reposado. ¡La música constituyó su mayor pasión!

Su viuda le sobrevivió siete años pues murió en Guayaquil en 1878.

Cuando años después su hija Rosa Neumane de Maruri fue requerida para que diera datos sobre su padre, dijo: ¡Cómo era de apuesto mi padre! ¡Con razón era tan querido de todos!

Schubert Ganchozo Galarza

Posted in músicos ecuatorianos with tags , on agosto 2, 2008 by edmolin657

SCHUBERT GANCHOZO GALARZA
MUSICO Y COMPOSITOR.- Nació en Guayaquil el 6 de Mayo de 1.962 y fueron sus padres legítimos Vicente Antonio Ganchozo Moreno, cantante y bohemio, amigo de dar serenos a su esposa, oriundo de Calceta en Manabí, administrador de la hacienda bananera “La Florida” del grupo Quirola y Norma Galarza Puga, natural de San Juan, provincia de Los Ríos (1). El segundo de una familia de tres hermanos, recibió los nombres de Shuberth Antonio, el primero por un Grupo Musical de ese nombre en Calceta.

De cuatro años pasó la familia a Machala donde terminó de criarse Tímido, su padre le regalaba instrumentos para motivarle y cuando llevaba músicos amigos a su casa, bajaba a escucharles y así conoció a muchos, pues Machala era visitada continuamente, en especial para Septiembre, por la feria del Banano.

En unas navidades su padre le obsequió un organito rojo de juguete y sacó algunas piezas de oído: los boleros ‘Toda una vida”, “Solamente una vez” y “Reina Mía”. Su abuelita Amalia Puga le dio las primeras clases de guitarra y enseñó algunas polkas antiguas. Ella vivía en la Hacienda San Carlos separada de su esposo.

 

(1) Fueron sus abuelos Héctor Galarza, de Ventanas y Amalia Puga Barcos, de San Juan, que sabía tocar guitarra -Sabulón Ganchoso, de Calceta, constructor de Instrumentos de cuerda: bamdurrias, mandolinas, guitarras, mandolas que también tocaba. Gustaba organizar Grupos Musicales, protegía a los músicos, practicaba una sana bohemia y fue propietario de la finca “El Limón’” en Calceta y Luzmila Moreno Bazurto, de Calceta, de profesión sombrerera en Montecristi con los Mazzini y calificadora de los sombreros de las cien puntadas por pulgada cuadrada, que eran los más finos.
Estudió la primaria en la escuela católica “Jaramillo Montoya” de las monjas Maristas, donde la Madre Amparito, de nacionalidad española, le terminó de enseñar la guitarra, luego contrataría el colegio un Profesor. Shuberth entró con su hermano Vicente a esos cursos vespertinos y el 74 comenzó la secundaria en el “Manuel González” de los Hermanos Maristas de El Pasaje. En el Tercer Curso formó un primer Grupo Musical para acompañar las misas, después fundó con las alumnas del “Juan XXIII” el Conjunto Integración Católica pero terminaron enamorándose y se desintegraron.

El 79, a raíz de la crisis del banano, la familia pasó a trabajar unas tierras en Catarama, propiedad de los tíos Galarza, dueños de la Hacienda “La Felicidad”. Su padre sembró cultivos estacionarios con éxito aunque todo se perdió con las inundaciones del fenómeno del niño entre 1.982 y el 83.

Mientras tanto siguió el Quinto Curso en el Colegio “América” de Quevedo, viviendo en una pensión familiar. Su formación religiosa le impulsaba a hacerse Hermano Marista. Graduado de Bachiller con la Monografía “Radioactividad natural y trasmutaciones artificiales” tomada del texto de Seats Somansky, su padre trabajaba el predio “Monserat” en Chongón de su socio Mario Peña y vivía con su familia en un departamento en Eloy Alfaro y Maldonado frente a la fábrica La Universal.

El 80 principió el Curso Prepolitécnico de invierno, se enamoró y comenzó a tocar guitarra en las Peñas. Ese año fundó el grupo “Taller de Música”. Vivía con sus padres, practicaba una sana bohemia artística pues jamás ha aprendido a beber o a fumar. El 81 entró a la Escuela de Arqueología de la Escuela Politécnica del Litoral ESPOL y fundó el Grupo Musical de la Asociación de Empleados del Banco Central con catorce miembros que tocaban guitarras y se acompañaban con zampoñas, bombos, mandolinas, quenas, etc. Ensayaban tres veces a la semana y se presentaban en público con temas de la Nueva Troba Cubana (música estilizada con arreglos bien estudiados) poniendo de actualidad las melodías de Pablo Milanés, Silvio Rodríguez, Santiago Feliu, el chico Boarque del Brasil, etc. Era lo Inn en ese momento, le pagaban S/. 30.000 mensuales.

Ese año conoció a un grupo de jóvenes (Raúl Vallejo, los hermanos Adolfo, Gloria María, Liliam y Pablo Guevara Rodríguez entre otros) formó con ellos el Grupo Taller”, montaron Misas Criollas entre música Folk latinoamericana, temas como el Canto General de Pablo Neruda, la Misa Criolla Nicaraguense, etc. y se pusieron de moda. Su interés primordial era la Música y la Arqueología. El 82 intervino en el primer Seminario de Psicología Folklórica, en el Coloquio Internacional de Arqueología del Área y fundó el grupo musical “Umbrales” en la Politécnica que el 83 grabó un Long Play.

El 84 se presentó en el III Encuentro Latinoamericano de Cantautores de la Nueva Canción realizado en la peña el Rincón Folklórico de Mario Vega en Malecón y Juan Montalvo. El 85 ingresó al Museo del Banco Central en Guayaquil con S/. 50.000 mensuales, casó con Liliam Guevara Rodríguez, alquiló un departamento en Quito y Rosendo Avilés.

El 87 dio una charla sobre Arte, Cultura Popular y Cultura de Masas para la Asociación Juvenil Católica AJUCE, concurrió al I Seminario de Introducción a la Ciencia del Folklore, al II Encuentro de Defensa del patrimonio Nacional y dictó una charla sobre Cómo apreciar el Arte. En el Museo del Banco trabajaba bajo las órdenes de la Dra. Inés Flores.

El 88 diseñó sobre Animación y Cultura Popular, siguió un Seminario sobre Dirección y Administración de Teatros y Centros Culturales, fundó el grupo “Afro Palenque” de música folk, se metió al barrio Cristo del Consuelo y aprendió a tocar la marimba negra y la cayapa, diferentes a pesar que ambas se confeccionan con la misma madera de Chonta Pambil; la primera es batida con fuerza y se hace sorda mientras el negro canta y baila a su son; la segunda es confeccionada con gran cuidado pues la Chonta se corta en noche de luna y en determinadas fechas propicias, la afinan con agua para que retumbe y por eso vibra delicadamente y es mucho más sonora, aparte de que el Cayapa solo toca sonidos, no cantan ni bailan. Ese año dictó en el Conservatorio y en el Frente de Artistas Populares, varias charlas sobre las tradiciones marimberas en las tierra bajas del occidente ecuatoriano.

El 89 egresó de Arqueología y al plantear como tema de tesis el análisis de los Instrumentos Precolombinos de la costa ecuatoriana, a fin de demostrar una continuidad hasta lo actual, le dijeron que no había profesor para tal tesis y se quedó sin graduar. (2) Ese año salió del Museo.

El 90 estudió con Julio Bueno, Director del Departamento de Música de Quito, el sistema de anotación y clave musical y siguió varios Cursos de Computación en la ESPOL para manejar los sintetizadores musicales computarizados y electrónicos comenzando con el MIDI o interfase digital para instrumentos, que relaciona la música con el lenguaje cibernético de las computadoras.

Concurrió al Seminario de Ciencias de Folklore que dictó el Profesor Paulo de Carvalho Neto y presentó el Concierto-espectáculo “Concierta voz urbana” de una hora de duración con 17 canciones negras (andareles)convertidas en otras tantas composiciones al estilo Salsa- Jazz, tocadas con guitarras, bajos, marimbas, cununos y flautas traversas. El


(2) Shuberth estima que existen tres vertientes en la música del litoral ecuatoriano: 1) La Precolombina que no conocía instrumentos de cuerdas pues en la cerámica predominan los instrumentos aerófonos, membranófonos y metalófonos, 2) La Tradición Marimbera que se divide en tradición negra con currulaos, bambucos y fabricianos; la tradición Cayapa con guambireñas, aguas cortas y arroyos; la Tradición colorada con aguas largas y bambucos; y la Tradición Cuaikere o norteña. Desde el 1.200 antes de Cristo se conocía la Marimba traída a Mesoamérica por migraciones africanas occidentales.
público respondió bien, se emocionó, gritó y se paró. También presentó ocho veces el espectáculo de danza, teatro y música “Tambores para una canción perdida” historia de carácter negro, financiada por el Programa “El Ecuador Estudia” que dirigía Miguel Donoso Pareja y ambientada con 30 artistas en la obra de Jorge Velasco Mackenzie. El éxito fue enorme y se representó en Milagro, Santa Elena, las Galápagos, etc. En Santa Elena no hubo la suficiente coordinación con la Dirección Provincial de Educación y los artistas llegaron al día siguiente del anunciado, teniendo que presentarse en la plaza principal, pero el público se agolpó y aplaudió largamente al final.

El 91 se integró a los Seminarios de Dirección Escénica de Arístides Vargas, de Teatro del Movimiento de Mirilla Carbone, de Iniciación al teatro dictado por Marina Salvareza y de Iniciación a la danza Contemporánea del bailarín Jorge Parra, contrajo segundas nupcias con Omayra Moscoso Peso y montó y presentó en la Facultad de Comunicación Social el cuento “La Entundada” de Adalberto Ortíz con solo dos actores y su esposa cantando. También disertó sobre el Juguete artesanal en las tierras bajas del Occidente Ecuatoriano, comentó el Cancionero Popular del Profesor Gerardo Guevara y para la posesión de Toty Rodríguez como Subsecretaria de Cultura, presentó en Quito el espectáculo de música y danza “Coordenadas Mestizas” con el bailarín Jorge Parra.

El 92 participó en las “II Conversaciones de Junio: el arte en las calles” y montó un Concierto de música contemporánea con la Bolaños Banda Jazz en el teatro del Centro Cívico. El asunto se resolvió transformando los Jazz en música afroecuatoriana a base de los sonidos de la selva que pudo recuperar por sus investigaciones de campo. Ese año transformó “Coordenadas Mestizas” involucrando 26 personas entre músicos y bailarines. Resultó un hermoso espectáculo argumental que relata una historia con elementos de arqueomúsica tomados de un sintetizador, a base de las mediciones geométricas de las casas de la cultura Jama-Coaque, resultando una novedosa composición de tipo trifónico y luego pentafónico con réplicas de ocarinas. El asunto es simple: Un investigador llamado Shubertho, él mismo, representado por Luis Mueckay, aparece en el escenario en búsqueda de sonidos de la selva. Se escucha a una Banda de Pueblo que ingresa al teatro tocando el bolero “Toda una vida” y antecede a la Procesión del señor de las Aguas. Todos suben al escenario y comienza la función con música y luces de selva.

El 93 habló en la Subdirección Regional de Educación sobre Arqueomúsica en la costa ecuatoriana y presentó cinco veces en el Teatro del Centro Cívico el espectáculo “Solsticio 4.600”, con música computarizada a través de sintetizadores electrónicos que generan sonidos de síntesis digital, utilizando un lenguaje precolombino de ocarinas y otros instrumentos. El tema trata sobre Los Guerreros Huancavilca, que se despliegan en el escenario. Al fondo se presentan lienzos gigantes con sellos mantenses. La Coreografía corrió a cargo de Jorge Parra sobre ceremonias de reducción de cabezas, Tzanzas, práctica que fue usual en la costa ecuatoriana, según opinión de Shuberth.

El 94 trató sobre Arqueomúsica en el Auditorio del Banco Continental y sobre la Música y la Danza de la Casa de la Cultura. En varias salas de Guayaquil y Quito presentó su concierto estrictamente musical con pantalla gigante y recopilación de videos titulado “Shuberth, músico contemporáneo” y en el Teatro del Centro Cívico su gran concierto argumental con música Rock de piano, bajo, batería y guitarra, con actores y sanqueros titulado “El Canto a Bolívar”, basado en el texto original de José Joaquín de Olmedo. Propuesta con música rockera fuerte de guerra, lenguaje de rebeldía de la juventud actual. Como nota de interés se dió una masiva concurrencia de la comunidad rockera pesada, que aprobó el novedoso Concierto.

El 95 dio un Concierto de Cantos de Amor en la Casa de la Cultura, celebrando sus diez años como músico profesional pues no toca canciones ajenas sino únicamente las propias. Fueron temas románticos acompañados de piano, bajo, batería y guitarra.

Aspira a hacer un Banco de Sonidos que rescate lo musical precolombino, colonial y republicano de la costa ecuatoriana. Prepara comerciales para Radio y TV en su hogar- estudio de la Ciudadela Panorama en Durán donde vive con sus padres. Se especializa en Gingles para vender productos y en Bandas Sonoras para acompañar una obra comercial. Trabaja para el Estudio de Música “H02 Producciones” de Oscar Heinert Trujillo en el Alban Borja y esta montando su propia productora.

Ha formado la Compañía de Danza Contemporánea Amay con la baletista Irina Pesantes del Cuerpo de Baile del centro de Arte para presentar una interpretación de los modelos geométricos de las culturas Vegas y Valdivia temprano que llamará “Ancestros”, ampliando la arqueomúsica con la etnomúsica en planos de sonidos que multiplicados en rangos de frecuencias a una progresión geométrica y exponencial se transforman en luces.

Tiene una colección de diez discos compactos titulados “Música de la Nueva Era Técnica” o Etnic New Age, con los sonidos logrados a partir de las mediciones geométricas de las arquitecturas ancestrales con reflejos en otras cosas o instrumentos y un libro de más o menos cien páginas contenido sus teorías, basadas en los estudios del Arquitecto peruano Carlos Milla Villena, que en la obra “Génesis de la Cultura Andina” expone que el pensamiento geométrico de la antigua cultura andina se derivaba de la observación y sacralización de las medidas de la Constelación llamada en occidente la Cruz del Sur, habiendo sido Tumaca el Amauta o científico que difundió el conocimiento de ellas. (3)

El 95 presentó una Ponencia para el primer Taller de Planificación Estratégica de la Arqueología en el Ecuador.

De estatura mediana, tez canela, ojos y pelo negro, calvicie recién pronunciada, viene apoyando el arte ecuatoriano con la musicalización y la banda sonora de los espectáculos siguientes “Gali Galápago” del grupo de teatro Gestus, la obra teatral “En esta casa de enfermos” del teatro taller Luz y Sombra, “La Casa de enfermos” del teatro taller Luz y Sombra, “La Casa del que dirán” de la Asociación Cultural Sarao, la obra teatral “El Rincón de los amores inútiles”, la obra teatral “Antígona” del grupo Cine, la película “Te escribiré de París” de la Productora Buho, “Yerma” de García Lorca para la Sociedad Femenina de Cultura “La Celestina” de Fernando de Rojas, “La Vida es Sueño” de Calderón de la Barca, “Edipo Rey” de Sófocles “No puedo verte triste porque me mata” estrenada por Sarao, sobre el fallecido cantante Julio Jaramillo y que está considerada la primera integración teatral con danza y música, nuevo género en el país. 

(3) Tantos los tapices incásicos como los huancavilcas contienen jeroglíficos que no han sido comprendidos. Los antiguos sabios andinos hacían sus mediciones astronómicas a base de los espacios negros al revés de las constelaciones como en occidente, pero a raíz de la revolución de Manco Capac se dejó tal método, no del todo preciso debido a las variantes del círculo magnético de la Tierra, por otro más exacto basado en la medición solar, se adoptó oficialmente el nombre de Hijos del Sol para los Amautas del Imperio y sus gobernantes los Incas.

Trio Colonial (nota periodística)

Posted in músicos ecuatorianos with tags , , on julio 21, 2008 by edmolin657

El mejor trío del Ecuador”, así ha sido calificada la agrupación ecuatoriana Trío Colonial, que hoy celebra los 20 años de trayectoria artística.Hoy a las 11:00, el trío ofrecerá una rueda de prensa en la sala Benjamín Carrión de la Casa de la Cultura, ubicada en Patria y Seis de Diciembre y el domingo brindará un concierto gratuito en el Ágora de la CCE.

Con 11 discos grabados, el trío ha realizado unos 3 500 conciertos, 71 giras nacionales y 14 internacionales. El bolero no ha sido el único género considerado por el trío, pues han complementado su agrupación con variedad de instrumentos.

Margarita Laso, cantante de música nacional, está convencida de que lo que define a la agrupación es su cualidad innovadora.

“Los músicos de Trío Colonial, como banda, han sido tremendos innovadores, se convierten en orquesta, son músicos muy versátiles”. Para Laso, el repertorio de la banda es muy rico, pues no solo se han dedicado a cantar boleros, sino que han experimentado con un sinnúmero de géneros que van de lo romántico hasta convertirse en una banda que interpreta música para bailar. “No se han quedado en un trío clásico sino que han enriquecido constantemente su propuesta musical y lo más importante es que han impuesto su forma de hacer tríos incorporando percusión y otros instrumentos”, explicó la artista.

Danilo Miño Naranjo aseguró que los músicos son extraordinarios, unos profesionales que han sabido llevar su mensaje fuera del país, convirtiéndolos en músicos de primer orden.

Según Danilo, la mayoría de los artistas generalmente se dedica a imitar, pero el Trío Colonial siempre ha sido muy original, pues cuenta con extraordinarios artistas. (DS)